中国国画是什么画

国画，全称是中国画，简单说就是用中国的传统工具画出来的画。 你一听可能觉得这定义太宽泛了，其实核心就在那几样东西上：毛笔、墨、宣纸、砚台，也就是“文房四宝”。 这跟西方绘画差别很大，人家用油彩、画布，追求的是光影、透视和肌肉解剖的精准。 国画不走这条路，它追求的是一种感觉，一种神韵，画出来的不只是眼睛看到的，更是心里感受到的。

这就要说到国画的两个灵魂，“笔墨”和“意境”。

先说“笔墨”。这俩字拆开看，“笔”指的是笔法，就是你用毛笔的方式。提、按、转、折，速度快慢，力道轻重，都会产生完全不同的线条。 这根线不是简单画个轮廓，它本身就有生命力。“墨”指的是墨法，也就是用水调和墨之后产生的浓淡干湿变化。厉害的画家能用一种墨，调出从最浓的焦墨到最淡的清墨等好几个层次，所谓“墨分五色”。 笔和墨结合起来，就不是简单的“画画”了，更像是在写字，每一笔都有讲究，都能看出画家的功力和情绪。这就是为什么很多人说，国画的基础是书法。

再说“意境”。这是国画最高的追求。 西方画画一个苹果，就是要画得像个苹果，让你想咬一口。 国画画一枝竹子，可能不是为了让你看这竹子长什么样，而是要表达一种气节，一种“宁折不弯”的精神。画一叶扁舟，重点不是船，而是那种孤独、宁静或者漂泊的感觉。 这种感觉就是意境。画家通过画面，把自己的哲学思考、人生感悟都融进去，让你看的不仅是一幅画，更是一首诗，一个故事。 这背后其实是中国哲学的影子，特别是道家和禅宗思想，讲究“天人合一”，追求精神上的和谐与超越。

了解了核心思想，我们再来看看国画都画些什么。传统上，主要分成三大类，叫“画分三科”：人物画、山水画、花鸟画。

人物画 是最早出现的画种。 从古代帝王将相的画像，到《女史箴图》那样讲述宫廷故事的画，再到描绘普通人生活的风俗画，比如《清明上河图》，都属于这个范畴。 人物画不光要求画得像，更重要的是通过眼神、姿态画出这个人的“神”，也就是性格和内心世界。唐代阎立本的《步辇图》，画的是唐太宗接见吐蕃使者，你看画里每个人的表情和站位，就能感受到当时那种庄重又微妙的政治气氛。

山水画 在宋代以后地位变得特别高，可以说是国画的代表。 但别误会，山水画不是风景写生。 古人画山水，是在画自己心中的理想世界。 比如北宋范宽的《溪山行旅图》，一座巨大的山峰占满了整个画面，山脚下的人和驴队小得几乎看不见，这就是在表达一种对自然的敬畏，人在天地间的渺小感。 山水画特别讲究构图和气势，通过各种“皴法”（表现山石纹理的笔法）来画出山的不同质感，追求一种可以让人“身临其境”甚至“精神遨游”的境界。

花鸟画 听起来好像最简单，其实内涵很丰富。画中的花、鸟、鱼、虫，往往都有象征意义。 比如梅花象征不畏严寒的风骨，兰花代表君子，竹子比喻气节，菊花寓意隐士。 画家通过画这些东西来表达自己的志向和品格。所以你看八大山人画的鸟，总是翻着白眼，一副不屑一顾的样子，那就是他作为明朝皇室后裔，对清朝统治的一种无声反抗。

除了按题材分，国画还有两种主要的表现手法：工笔和写意。

工笔画 特点是“工整细致”。 画家会用非常精细、准确的线条先把物体的轮廓勾勒出来，然后再一层一层地设色，过程很严谨，耗时也长。 这种画法追求形似，细节表现得非常到位。像宋徽宗的《瑞鹤图》，天上的仙鹤姿态各异，栩栩如生，就是工笔画的顶峰之作。

写意画 则完全是另一种风格。它不追求画得一模一样，而是强调“神似”，抓住对象最主要的特征，用简练、奔放的笔墨来表达画家的情感和意趣。 “写意”就是“写出意思”，画的是一种感觉。比如齐白石画的虾，寥寥几笔，墨色有浓有淡，虾的透明感和在水里游动的活泼劲儿就全出来了。这就是写意画的魅力，看起来简单，其实对画家的功力要求更高。

最后，还得说说国画的工具，就是前面提到的文房四宝。

笔：毛笔。跟硬笔不一样，毛笔是软的，笔锋有弹性。通过控制手腕的力度和角度，一支笔就能画出粗细、方圆、刚柔各种变化的线条。

墨：不是我们现在用的瓶装墨汁，传统用的是墨锭。 画画前，要加清水在砚台上慢慢研磨，这个过程本身就能让人静下心来。

纸：主要是宣纸。宣纸有个特点，吸水性很强，墨一上去就渗开了，没法修改。 这就要求画家下笔前胸有成竹，每一笔都要果断、准确。

砚：就是砚台，用来研墨和储存墨汁的石头。

总的来说，中国国画是一个庞大而复杂的体系。它不只是一门绘画技术，更是一门融合了文学、书法、哲学和个人修养的综合艺术。 一幅好的国画，常常还会有书法题诗和红色的印章，这三者（画、书、印）共同构成一个完整的艺术品，彼此呼应，深化主题。 所以，欣赏国画，不能只看画得像不像，更要去看它的笔墨功夫，去体会它背后的意境和文化内涵。